Recorridos en femenino detrás de la cámara

Cine Club Golfa presenta un seminario centrado en diferentes mujeres del panorama internacional que se expresan a través de cualquier medio audiovisual.

En la pasada ceremonia de entrega de los Premios de la Academia se alzó con el Oscar a la mejor dirección la californiana Kathryn Bigelow, por su película En tierra hostil (The hurt locker, 2008). Nos resultó entonces sorprendente que fuera la primera mujer en alzarse con el premio. Este hecho, que podría achacarse al tradicional (casi tópico) conservadurismo de la Academia de Hollywood es, sin embargo, sintomático de la poca presencia de mujeres directoras en el palmarés de las grandes citas cinematográficas y en la historia del cine en general. Pero directoras las hay hoy, y las ha habido a lo largo del siglo y pico de cine que llevamos recorrido. Silenciadas, ninguneadas, triunfadoras (las menos) o asimiladas por la industria, casi nunca se ha hecho justicia a su talento cinematográfico.

Cuando nos propusieron programar un ciclo para Hostal de Sal, pensamos que sería una buena idea hacer un recorrido por algunas directoras, para dejar constancia de esas mujeres que se pusieron detrás de las cámaras y dejaron su impronta, de muy distintas maneras, en el séptimo arte.

No hay en este ciclo ningún ánimo de ser sistemáticos. Fieles al espíritu fundacional de nuestro Cine Club, cada uno de nosotros ha elegido una cineasta independientemente de la elección de los demás. Semana a semana iremos presentando nuestras elecciones, y si hubiera que sacar conclusiones o encontrar relaciones, serán los demás quienes las establezcan. Es muy probable que falten nombres. Las cineastas que hemos elegido son sólo una muestra, una pincelada. Recurriendo al tópico, son todas las que están pero no están todas las que son.

El diccionario de la Real Academia Española define el término cinética (aunque la entrada es a “cinético”) como perteneciente o relativo al movimiento. Pertenecientes o relativas al movimiento son, sin duda, las cineastas que hemos elegido para este ciclo, como lo es todo el cine. Estas mujeres que poco más tienen en común que el hecho de serlo, además del afán por contar historias, y por ser ellas quienes las cuentan. Mujeres que, de alguna manera, se pusieron en movimiento y consiguieron hacerse un hueco en el gremio típicamente masculino, y más machista de lo que a priori podría parecer, de los directores de cine.

CINE CLUB GOLFA

• Todas los jueves de julio, agosto y septiembre
• Las sesiones comienzan a las 21:00 horas.
• Proyección en Versión Original Subtitulada.
• Entrada libre hasta completar el aforo.

Programación

1. El triunfo de Leni Riefenstahl

2. El camino de Ida Lupino

Animada a entrar en el mundo del espectáculo siguiendo la tradición familiar, la británica Ida Lupino, trabajó la mayor parte de su carrera como actriz para Warner Bros. Considerada como la Betty Davis de “los hombres pobres”, participa en filmes como The Light That Failled (1939), They Drice by Night (1940), High Sierra (1941), Road House o On Dangerous Ground.

Debido a la muerte inesperada de Elmer Clifton, quien no pudo terminar Not Wanted (1949), a causa de un ataque al corazón, Ida Lupino decide terminar su trabajo convirtiéndose en la primera y única, mujer directora de la época dorada de Hollywood, a esta siguen filmes como Outrage (1050), The Hitch-Hiker (1953) o The Trouble with Angels (1966). Posteriormente también desarrollaría una fructífera carrera como directora para la televisión.

3. Una belga en la corte de la nouvelle vague: Agnès Varda

Pionera del cine feminista y considerada por algunos críticos como la abuela de la Nouvelle Vague, Agnès Varda nace un 30 de mayo de 1928 en Bruselas, aunque vive y trabaja toda su vida en París.

Las más de treinta piezas que ha dirigido en diferentes formatos como el cortometraje, el documental, vídeo-instalaciones o largometrajes de ficción, y a pesar de las diferentes corrientes a las que se la pueda vincular, como la mencionada Nouvelle Vague, la unidad y coherencia de su obra, la libertad de tono en rodaje y montaje y la capacidad de Agnès Varda para captar el momento y los pequeños detalles, fruto, probablemente, de su formación en la fotografía.

León de Oro en el festival de Venecia por Sin techo ni ley (Sans toit ni loi, 1985), Premio César al mejor documental por Les plagues d’Agnès (2008), condecorada con el Premio René Clair de la Academia Francesa, entre otros. Su ópera prima, La Pointe Courte (1956), refleja la influencia de Roberto Rossellini, su segunda película, Cleo de 5 a 7 (Cléo de 5 à 7, 1961), sería incluida en los parámetros de la nueva ola francesa.

Posteriormente flirtearía con el documental, del que destaca Los espigadores y la espigadora (2000), en el que retrata sus propias manos, se presenta a sí misma y agradece el invento (el cine) a su pequeña cámara digital. Cabe mencionar los filmes que la cineasta dedicara a su marido, Jacques Demy, como Jacquot de Nantes (1991), retrato de la infancia de su marido y su amor por el teatro y el cine o, el emocionante Les demoiselles ont eu 25 ans (1993), filmación homenaje que la ciudad de Rochefort hiciera a la película de Demy, Las señoritas de Rochefort (Les demoiselles de Rochefort, 1967), por su 25 aniversario.

4. La rebelión erótica de Liliana Cavani

Guionista, directora de cine y de óperas, Liliana Cavani nace en Carpi (Módena), un 12 de enero de 1933.

Tras licenciarse en Letras Antiguas por la Universidad de Bolonia. Se diploma en cine en el Centro Experimental de CInematográfia de Roma y tras ganar un concurso en la RAI, realiza para la televisión varios documentales pasándose al largometraje de ficción en 1966 con Francesco d’Assisi, que rodaría de nuevo para el cine en 1989, Francesco.

Siendo rodada la mayoría de los títulos en inglés, la mayor parte de su cinematografía está marcada por la  controversia a través de títulos como Los caníbales (I Cannibali, 1969), Portero de noche (Il portiere di note, 1974), La piel (La pelle, 1981) o Berlín interior (Interno berlinese, 1985).

5. Las siete bellezas de Lina Wertmüller

Nacida en Roma en 1928, Lina Wertmüller, tras diplomarse en dirección en la Academia Pietro Sharoff, trabaja en el teatro con Garinei y Giovannini y es ayudante de dirección de Giorgio De Lullo, labor que también realizará para Federico Fellini en Ocho y medio (Otto e mezzo, 1963); mientras tanto se dedica a la actividad radiofónica y a la dirección televisiva (Canzonissima). Debuta como directora con I basilischi (1963).

Caracterizados por un tono grotesco, fuerte y exagerado que la define con un inconfundible estilo, realiza diecisiete largometrajes para el cine entre los cuales cabe destacar Mimí metalúrgico herido en su honor (Mimì metallurgico, 1972), Film de amor y de anarquía (Film d’amore e d’anarchia, 1973), Insólita aventura de verano (Travolti da un’insolito destino nell’azzurro mare d’agosto, 1974), Pasqualino siete bellezas (Pasqualino settebellezze, 1975) o Camorra: Contacto en Nápoles (Un complicato intrigo di donne, vicoli e delitti, 1986).

1. Pilar Miró y la igualdad del género
2. Jane Campion y el universo femenino

Presentación y confección: Cine Club Golfa
Diseño: Rubén Gómez Radioboy
Coordinación: Luis M. Álvarez
Organiza: Overflow para Hostal de Sal

Nacido en Teruel, un 19 de mayo de 1933, Antón García Abril es uno de los más prolíficos compositores españoles que, con una extensa y espléndida obra sinfónica, inicia una sólida carrera en el cine que se extiende después a la pequeña pantalla y sus diferentes formatos audiovisuales.

Iniciado por su propio padre en el mundo de la música de bandas -única posibilidad musical para una ciudad de provincias de la época-, le enseña solfeo, le introduce en una banda y le transmite el entusiasmo por descubrir nuevos sonidos. De esta manera, García Abril inicia sus estudios musicales en Valencia, para continuarlos después en Madrid y finalmente en el extranjero, en Siena y en Roma.

En 1958 forma parte del grupo Nueva Música, una formación que conduce la música española hacia nuevas formas de expresión artística. Inpulsado por Ramón Barce y financiados por Enrique Franco, se trata de un movimiento breve, pues esas ansias por alcanzar a las nuevas generaciones de músicos europeos conducen al grupo a la disolución, debido a los múltiples caminos artísticos representados por sus integrantes entre los que se encuentran Cristóbal Hajffner, Luis de Pablo, Manuel Moreno-Buendía y Alberto Blancafort.

Su carrera cinematográfica despunta con la película Torrepartida (1956), dirigida por Pedro Lazaga, con quien inicia una larga y fructífera colaboración a lo largo de numerosos títulos del más popular cine español de la época, ente los que se encuentran Muchachas de azul (1957), Los traposos (1959), Los económicamente débiles (1960), La ciudad no es para mi (1966) o Sor Citröen (1967), con la que estalla en España el fenómeno dabadaba.

El dabadaba, como finalmente ha dado en llamarse este desenfadado estilo musical, no es más que un sonido con base bossanova que se contagia a otros compositores españoles de la época como Waldo de los Ríos y Augusto Algueró. Resulta difícil establecer quien es el precursor original de un estilo musical que ha trascendido hasta nuestros días a través de formaciones musicales como Fangoria, Penélope y Carlo o Calígula 2000; pero si internacionalmente, Francis Lai es el baladí del fenómeno gracias a la partitura que compone para el filme Un hombre y una mujer (Un homme et une femme, 1966, Claude Lelouch), en España no se puede considerar que fuera otro que el maestro Antón García Abril, que ofrece en ese mismo año una partitura de similares características en Lola, espejo oscuro (1966, Fernando Merino). Un estilo que desarrolla a lo largo de títulos como la citada Sor Citröen, El turismo es un gran invento (1968, Pedro Lazaga) o Las Ibéricas F. C. (1971, Pedro Masó), y que termina por afianzar una moda musical que también se extiende a la pequeña pantalla a través, sobretodo, de la publicidad de Phillips y Fundador. El dabadaba acabaría por establecer una identificación con la época que se denominara del desarrollismo, vinculado a las producciones de José Luis Dibildos, Pedro Masó o Vicente Escrivá y que coincide -o aprovecha- un intento de apertura de la Administración. Un cine que constituye la cara más amable del viejo cine que se realiza con el auspicio del Régimen Franquista a través de directores como Fernando Merino, Fernando Fernán Gómez, José María Forqué, Javier Aguirre, Ramón Fernández, Roberto Bodegas o el mencionado Pedro Lazaga.

Con la llegada de la democracia, Antón García Abril, inicia una nueva etapa, mucho más gasificaste al poder contar con mucha más libertad creativa en un cine de autor para directores como Mario Camus o Pilar Miró. Asimismo, fructifica una espléndida etapa televisiva en series de prestigio para RTVE como Fortunata y Jacinta (1979, Mario Camus), Ramón y Cajal (1982, José María Forqué), Anillos de oro (1983, Pedro Masó) o Brigada Central (1989, Pedro Masó). Una etapa en la que destaca sobremanera la banda sonora de la mítica serie documental El hombre y la tierra (1974-1980, Félix Rodríguez de la Fuente).

Toda esta actividad dentro de la industria audiovisual no impide que Antón García Abril desarrolle una fértil actividad dentro de la música sinfónica a través de cantatas, ballets, óperas y operetas entre las que destacan Doce canciones sobre texto de Rafael Alberti (voz y orquesta, 1969), Divinas palabras (ópera, 1992), Nocturnos de Antequeruela (piano y orquesta, 1996), Concierto de las tierras altas (violonchelo y orquesta, 1999) y el ciclo de canciones inspirados en los poetas españoles.

Defensor de la búsqueda de equilibrio entre técnica e intuición musical como requisitos indispensables para un compositor culto y responsable: El punto de encuentro entre intuición y técnica debe ser, según mi opinión, la aspiración máxima del compositor para lograr el justo equilibrio de la obra técnicamente bien hecha, al mismo tiempo que se proyecte sobre nosotros como lenguaje de comunicación culto y sensible.

Garíca Abril considera que una obra sólo está completa una vez ha pasado por tres fases imprescindibles: compositor, intérprete y público. Para él, el compositor de una obra no es, necesariamente, su mejor ejecutor, siendo siempre más estimulante la aportación de un intérprete, y que sólo cuando es escuchada por el público se completa la ecuación artística, justificando y premiando plenamente la labor del compositor. Para el turolense la mejor manera de ser universal y llegar artísticamente al mundo entero, como hicieran los compositores que más le influyeran como Béla Bartók, Maurice Ravel, Claude Debussy o Sergéi Rachmaninoff, consiste en ser originalmente local, auténticamente español.

Desde 1974 compagina su labor profesional como compositor con la docencia al comenzar a impartir clases como catedrático de Composición y Formas Musicales en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. También es Director de la cátedra Manuel De Falla de Cádiz y profesor de composición de los cursos de verano Música en Compostela.

Elegido miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid en 1982, también lo es de la Academia de Nobles y Bellas Artes de San Luis de Zaragoza, desde mayo de 1995, nombrándole, por unanimidad, Académico de Honor en enero de 2003; además es elegido, en 1997, miembro de la Academia de Bellas Artes Nuestra Señora de las Angustias de Granada, de la Academia Nacional de las Bellas Artes de la República Argentina, en 2000, y de la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla, en 2001.

Por si fuera poco, está en posesión de numerosos premios y galardones entre los que destacan:

• Premio Nacional de Música 1993.
• Medalla de oro de las Bellas Artes, 1998.
• En el 2003 fue nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad Complutense de Madrid.
• Medalla de oro del Real Conservatorio Superior de Música de, 2004.
• Profesor Honorario del Conservatorio Nacional  de Música de LimaDoctor Honoris Causa por la Universidad de las Artes de La Habana (Cuba).
• Presidente de la Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero.

En la actualidad se inclina por la composición de música de cámara, en lo que constituye para él una manera de ir a lo esencial y en la que encuentra, además, intimidad.

El programa se distribuye en las siguientes sesiones:
1. Antón García Abril: músico, poeta e inconformista
2. Fernando Fernán Gómez: cineasta, crítico y feminista
3. José Luis Sáenz de Heredia y el cine a favor del sistema
4. Francisco Merino y el cine contra el sistema
5. José Luis Dibildos y el cine del desarrollismo
6. Pedro Lazaga y el cine popular
7. Ossorio, Klimovsky y el cine de género
8. Mario Camus y el cine de la democracia
9. Pilar Miró y la televisión

Coordinación y presentación: Luis M. Álvarez
Carteles y logotipo: Rubén Gómez Radioboy