Casa Mediterráneo celebra los próximos días 6, 7 y 8 de octubre en Alicante #marea, I Festival de Cultura Urbana y Contemporánea, un certamen que nace con vocación de convertirse en un referente de las manifestaciones culturales, artísticas y sociales de los jóvenes urbanitas del Mediterráneo.

Medio centenar de artistas de una decena de países ribereños en disciplinas con un marcado acento urbano y alternativo como el hip-hop, la electrónica, djs, street-art, video-mapping, danza contemporánea, parkour, instalaciones o cómic, se darán cita durante dos días en esta ciudad para dar a conocer al público español sus trabajos y creaciones, en muchos casos identificadas con los movimientos y cambios sociales que actualmente se están produciendo en el Mediterráneo.

En el terreno musical, los egipcios Arabian Knightz y los españoles Facto y los Amigos del Norte, lideran un cartel plagado de sonidos hip-hop, rap y electrónicos que compartirán con dj’s como Olga Jouklaki,Eddy Ramich o Totom o con el rock alternativo de Nothink. Disfrutaremos de más de una decena de actuaciones musicales procedentes de Grecia, Egipto, Croacia, Albania, España o Túnez, que se desarrollarán en el centro cultural Las Cigarreras (Caja Negra y anfiteatro exterior) y en sala Stereo.

La fachada de la estación de Benalúa y la sala CAMON de Las Cigarreras acogerán espectáculos visuales como el videomapping (técnica consistente en proyectar imágenes sobre superficies reales, generalmente inanimadas, para conseguir efectos de movimiento o 3D) o la crew de graffiteros(intervención de artistas gráficos) a cargo del artista griego Vasmou (Alexandros Vasmoulakis). Asimismo, se proyectarán las películas Microphone (2010), del cineasta egipcio Ahmad Abdalla, y Tilva Ros (2010), del serbio Nikola Lezaic.

Además, el interior de Las Cigarreras acogerá durante las 48 horas actividades permanentes, como el ejercicio de análisis y acercamiento de las riberas del Mediterráneo que Alvaro Sau Razquin, Lafundicio,Pablo de Soto y Wensh realizan en sus videos, que se proyectarán en cuatro pantallas simultáneamente.

Instalaciones, exposiciones, exhibiciones y talleres de danza urbana, parkour y breakdance se sucederán en la sala CAMON de Las Cigarreras, en la plaza exterior de Las Cigarreras y en escenarios urbanos de la ciudad. La exposición de Cómic 01, Balkan Twiliglht, recopilará el trabajo de artistas de Serbia, Croacia, Italia y Kosovo sobre los Balcanes occidentales, mientras que los artistas egipcios Vahida Ramujkic y Aviv Kruglanski, presentarán una sugerente instalación a base de piezas bordadas. En la plaza exterior tendrá lugar el show ENTRE PLATO Y PLATO: MÚSICA…!, a cargo de Dj Paff, basado en la sincronización de música y gastronomía. El festival se completará con charlas y conferencias, ponencias y debates.

Todas las actividades, incluidos los conciertos, son de entrada libre limitada al aforo de las salas o espacios públicos.

PROGRAMACIÓN COMPLETA POR DÍAS

VIERNES 7 DE OCTUBRE

21.30hr-22.15hr
ARKANO+JONKO – LIVE [+info]
Las Cigarreras Cultura Contemporánea. Caja Negra

Entre los premios con los que El escritor (The Ghost Writer, 2010, Roman Polanski) arrasara en los pasados premios de la Academia de Cine Europea, es inevitable destacar el que se llevara Alexandre Desplat por su magnífica banda sonora.

Roman Polanski, es un director que suele mantener largas relaciones profesionales, además de la que mantiene con el guionista Gérard Brach —-que se prolonga a lo largo de nueve filmes——, pero, también con los compositores de sus bandas sonoras, que aparte de las puntuales colaboraciones que le han llevado a trabajar con Jerry Goldsmith en Chinatown (1974), Ennio Morricone en Frenético (Frantic, 1988) o Vangelis en Lunas de hiel (Bitter Moon, 1992) y algún otro compositor, podríamos distinguir tres brillantes etapas:

1. El jazz (que vino del este) a través de su fructífera colaboración con Christopher Komeda que incluye los cuatro títulos que van desde El cuchillo en el agua (Nóz w wodzie, 1962), hasta La semilla del diablo (Rosemary’s Baby, 1968), una de sus últimas partituras y por la que es mayormente recordado.

2. Las suaves melodías (de seducción) con las que Philippe Sarde inunda, tan sólo, tres largometrajes tan diferentes como El quimérico inquilino (Le locataire, 1976), Tess (1979) y Piratas (Pirates, 1986) en un estilo mucho más melódico que rítmico.

3. Y la más reciente colaboración que ha iniciado con el compositor, también de origen polaco, Wojciech Kilar, que incluye La muerte y la doncella (Death and the Maiden, 1994), La novena puerta (The Ninth Gate, 1999) y El pianista (The Pianist, 2002), una relación que muchos han comparado con la que tuviera con Christoph Komeda, dada la profundidad de sus composiciones, que si bien ha tenido que compartir protagonismo con Schubert y Chopen, ha sido capaz de destacarse por la fuerza de su propia cuerda.

El caso es que el notable encuentro entre el cineasta nacido en París, pero criado en Polonia, que se desenvuelve con la misma soltura en el cine americano como en el europeo, en inglés, en francés, en italiano, en polaco (no descarto que incluso llegue a hacer alguna película en español); y el compositor de padre francés y madre griega, educado de manera multilingue, con una formación musical clásica pero con constantes influencias del jazz y la música de películas, que se desenvuelve igual de bien en producciones comerciales como en el cine independiente, tiene todas las papeletas para convertirse en la siguiente colaboración musical del cineasta.

Editada por Varèse Sarabande, lo mejor de la partitura de The Ghost Writer es que funciona igual de bien cuando estás viendo la película, que cuando estás disfrutando sólo de su banda sonora. No es necesario resaltar ninguno de los temas, pues todos son tan estupendos como la propia película de Roman Polanski, de quien algunos afirman que consigue “narrar con colores” y que llevó a otros a afirmar que “anoche soñé que volvía al edificio Dakota“, pudiendo escucharse toda la banda sonora como si de una sinfonía se tratase. Arrebatadora, envolvente, intrigante, misteriosa.

Track list

1. The Ghost Writer
2. Rhinehart Publishing
3. Travel to the Island
4. Lang’s Memoirs
5. Chase on the Ferry
6. Suspicion
7. Investigation
8. Hidden Documents
9. The Old Man
10. In the Woods
11. Prints Listen
12. The Predecessor
13. Pr Paul Emmett
14. Bicycle Ride
15. Lang and the CIA
16. The Truth About Ruth
17. The Ghost Writer (Reprise)

Ganador del Oso de Plata en el festival de Berlín y el César francés por De latir, mi corazón se ha parado (De battre mon coeur s’est arrêté, 2005, Jacques Audiard) —-otra impresionante película y banda sonora—-, del premio europeo por La reina (The Queen, 2006, Stephen Frears), de un Globo de Oro por El velo pintado (The Painted Veil, 2006, John Curran), ¿Conseguirá Alexandre Desplat su cuarta nominación tras La reina, El curioso caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button, 2008, David Fincher) y la maravillosa —-tanto la película como la banda sonora—-Fantastic Mr. Fox (2009, Wes Anderson)?

Publicado originalmente en EXTRACINE

Por Luis M. Álvarez

Banda sonora original

Canciones incluidas en la banda sonora

Por Luis M. Álvarez
Publicado originalmente en EXTRACINE

El revival de la década de los ochenta no parece quedarse en los remakes y las adaptaciones de series de televisión populares. No. Parece haber traído consigo otro renacer, el del cine tridimensional, el cine en 3D.

Pero basta poner el tercer número cardinal y la cuarta letra del abecedario juntitos para darnos cuenta de que 3D son ya muchas cosas y no todas la misma. No ya refiriéndome a lo que esta última década se ha dado en llamar animación 3D, sino que además, que yo recuerde, no es lo mismo el 3D que disfrutamos en los años ochenta, que esta nueva sensación tridimensional. ¿Cómo que no? ¿Cual es el cambio?

Mi memoria rescata las dos únicas películas que viera en tres dimensiones: El gran tiburón (Jaws 3-D, 1983, Joe Alves) y Viernes 13, 3ª parte (Friday the 13th Part III, 1982, Steve Miner), a simple vista pareciera que aprovecharan las terceras partes para hacer uso de la tercera dimensión. Bromas aparte, la peculiaridad de estas dos películas era la sensación de que los objetos y personajes salían desde dentro de la pantalla hacia fuera, como queriendo  llegar hasta ti. Huelga decir que en los casos mencionados, el recurso apenas se rentabilizaba en el juego de planos frontales en los que un cubillo, un hacha, una flecha, agua o fuego, parecían ir dirigidos hacia tu persona. De ahí el susto, el incremento del miedo y la tensión.

La primera película de este “renacer” que he visto ha sido Los mundos de Coraline (Coraline, 2009, Henry Selick), en la que sentarme demasiado cerca de la pantalla me hizo confundir, creyendo que no la había visto correctamente, pues el efecto no era como yo lo recordaba. Además las molestas y pesadas gafas —-que nada tenían que ver con las simpáticas gafas de cartón que después te podías llevar a tu casa—- hicieron cansar mi vista y me produjeron un leve dolor de cabeza. Menos mal que la película mereció la pena.

Mi segundo intento lo hice con Avatar (2009, James Cameron), en la que tuve cuidado de no sentarme muy cerca y me dispuse a dejarme llevar por la sensación tridimensional. Más no era esto, no. No. No son estas las tres dimensiones que yo recuerdo. No me siento amenazado. Sí que percibo la sensación tridimensional, pero no hacia fuera sino hacia dentro, como si estuviera viendo una pecera. Además, igual que aquella tridimensionalidad de los años ochenta no aportara nada estético o psicológico a la historia que se nos estaba contando, era más un recurso efectista, esta nueva opción tampoco parece que vaya a traer una renovación en el lenguaje audiovisual. Todavía no. Otra cosa es la espectacularidad que pueda suponer.

Siempre que el cine se siente amenazado por alguna causa, ya sea interna como externa, combate con cualquier arma que tiene a su mano. A finales de la década de los veinte, Warner Bros, temiendo una quiebra inminente decide apostar por una nueva tecnología: el sonoro. Algo que, realmente, el público no demandaba pero que, sumado al cataclismo que produjo la crisis del 29, permitió que se afianzara sin ningún problema. Este hecho supuso una limpieza de actores que no estaban capacitados para esta nueva técnica y forma de expresión. Así como necesitó de un período de adaptación pues, en un principio, la palabra inundó la mayoría de las historias, restando terreno a la imagen y volviendo, momentáneamente, a un primitivo teatro filmado. La adaptación apenas duró un par de años y en breve volvieron a aparecer estupendas películas que integraban este aliciente como un recurso más, no como una atracción. Ejemplo de ello son Aleluya (Hallelujah!, 1929, King Vidor), El ángel azul (Der Blaue Engel, 1930, Josef von Sternberg), M, el vampiro de Düsseldorf (M, 1931, Fritz Lang) o Bajo los techos de París (Sous le ciel de Paris, 1930, René Clair).

En los años cincuenta, tras la Segunda Guerra Mundial que trae consigo la tecnología de la televisión, el cine vuelve a sentirse amenazado y combate con tropecientos inventos que bautiza con pintorescos nombres grecolatinos:

- Cinerama, que utilizaba tres películas contiguas y sincrónicas por fotogramas de 25,02mm X 27,64mm cubriendo un ángulo de visión de 146º en horizontal que tuvo sus mejores exponentes en La conquista del Oeste (How the West was Won, 1962, John Ford, Henry Hathaway, George Marshall & Richard Thorpe) o El mundo está loco, loco, loco (It’s a Mad Mad Mad Mad World, 1963, Stanley Kramer), aunque no prosperó.

- Vistavisión, que utilizaba un negativo de 24mm X 36mm, creado por Paramount Pictures y que se ha ido rescatando de vez en cuando, aunque se confunde con lo que denominamos Cinemascope.

- Aromarama u Odorama, puesto en práctica por el multimillonario y playboy Mike Todd, un cine oloroso que sería más tarde rescatado por el inefable John Waters para Polyester (1981).

- Circarama, una pantalla circular de 360º, ideado por Walt Disney, que desapareció tan rápido como apareció, aunque haya tenido usos no cinematográficos posteriormente.

- Cinemascope, que proyectaba imágenes “descomprimidas” sobre una pantalla cóncava con una proporción mucho más rectangular siendo La túnica sagrada (The Robe, 1953, Henry Koster) la película que inaugurara este procedimiento. Tendríamos que esperar a películas como Al Este del edén (East of Eden, 1955, Elia Kazan) o Rebelde sin causa (Rebel Without a Cause, 1955, Nicholas Ray) para que los directores de la época aprovecharan al máximo los recursos psicológicos que el nuevo formato ofrecía más allá de la posibilidad de incluir más personajes dentro del mismo plano y aparte de la espectacularidad visual.

Pero la primera de las armas aparece en 1953, nuestra amiga, la fotografía estereoscopia —-ingeniada en el siglo anterior y aplicada ya por los hermanos Lumière y la MGM en 1935—- que sería lanzada a bombo y platillo para la película Bwana Devil (1952, Arch Oboder). Una sencilla técnica que superponía dos imágenes sobre la pantalla y, mediante el uso de unas gafas con vidrios polarizados que seleccionaban una imagen para cada ojo, ofrecía una asombrosa (y sencilla) percepción tridimensional. Mas resultó un invento breve por la incomodidad y fatiga que causaban las gafas en el espectador y por el excesivo precio que Polaroid Co., estableciera para ellas.

Cabe pues preguntarnos si, a pesar de resurgir cada 25 años y tener una vida más o menos fructífera, la técnica del 3D ha vuelto para quedarse o si, como antes, nos cansaremos de nuevo. Cierto es que en nuestros días tenemos una posibilidad que antes no había: ver la película en su formato bidimensional, sin efecto pecera.

Por el momento, y hasta que no se me ofrezcan motivos más allá de los espectaculares, personalmente, me relego para la proyección tradicional, no descartando que pueda interesarme un uso alternativo, el de los videojuegos, para los que sí creo que el formato puede aportar mucho más que en el cine, al ofrecer la posibilidad de vivir tu aventura en primera persona y en un grado mayor de intensidad, pero la diferencia radica, precisamente, en que el videojuego sí es una industria orientada al entretenimiento.

Por otro lado, tampoco es descabellado pensar que el resurgir del 3D sea una estratagema comercial y sirva como reclamo para que el espectador pueda experimentar una sensación relegada, única y exclusivamente, a la sala de cine, igual que en su momento ver una película rodada en Cinemascope no tenía el mismo impacto al verla en la gran pantalla que en un televisor doméstico —-algo que está relativamente superado con las grandes pantallas domésticas actuales, los proyectores y el Home Cinema. También es una manera de motivarte a comprar tu entrada, aunque compres o alquiles después el DVD, así como una manera de luchar contra la piratería y las descargas por Internet, ofreciendo un producto que sólo puedes disfrutar en la sala de cine. Tú eliges.

Publicado originalmente en EXTRACINE

Por Luis M. ÁLvarez

MÚSICAS AVANZADAS EN EL CINE

Paulatinamente, la música electrónica va encontrando su sitio en el medio cinematográfico, ya sea a través de los compositores o por la inclusión de canciones en las bandas sonoras de películas contemporáneas.

Conferencia > Influyentes vidas descontroladas: Ian Curtis

Nacido en Mancehster (Reino Unido), un 15 de julio de 1956, Ian Curtis fue el líder de una banda musical que se formara tras asistir sus miembros principales, Ian, Bernard Summer y Peter Hook, a un concierto de The Sex Pistols. Tras unirse Stephen Morris, la banda cambiaría su nombre, Warsaw, por el más controvertido Joy Division —que aludía a los pabellones de prostitutas de los campos de concentración.

Si bien Ian sentía admiración por cantantes como Jim Morrison, Iggy Pop y David Bowie, sus características físicas le confirieron una voz de barítono bajo, profunda e inquietante, que con un peculiar estilo de bailar, que evocaba los mismos ataques epilépticos que padecía, y el tono seco y depresivo de las letras de sus canciones, que tal como él decía trataban sobre “las diferentes formas que la gente tiene para superar ciertos problemas y cómo hacen para adaptarse a ellos“, además de asimilar la influencia de escritores como William Burroughs y J. G. Ballard, le convirtieron en uno de los más carismáticos cantantes del punk británico y un auténtico poeta maldito de la historia del rock.

Desconociéndose actualmente las causas concretas que le llevaron a un fatal desenlace, las especulaciones giran en torno a un cúmulo de situaciones que incluyen un precoz y tormentoso matrimonio con Deborah Curtis, con quien se había casado a los 19 años y que sería la escribiría Touching from the distance; la relación extramatrimonial que mantenía con la belga Annil Honoré, una desastrosa labor como padre de Natalie, y sus propios fantasmas personales que se incrementaban con la epilepsia desembocaron en una crisis personal que le llevó a encerrarse en sí mismo y en sus propias letras. Pocos días antes que iniciaran una gira por los Estados Unidos, Ian Curtis se ahorca en la cocina de su casa de Manchester mientras sonaba en su tocadiscos el álbum The idiot, de Iggy Pop, y después de haber visto en televisión una de sus películas preferidas, Stroszek (1977, Werner Herzog). Tenía 23 años.

Proyección: Control (2007, Anton Corbijn)

La música siempre ha estado presente en la vida de Anton Corbijn, quien comienza como fotógrafo alrededor de 1975 cuando acude a un concierto de Herman Brook, un emergente artista holandés que ve ascender su popularidad gracias a las fotografías de Corbijn, a la vez que este mismo se hace conocido por las mismas fotografías.

El éxito de su trabajo radica en un enfoque naturalista, la mayoría de las veces en blanco y negro, que consigue al aislar a sus modelos y alejarlos de su entorno natural. Corbijn aporta, la mayoría de las veces, sus propios motivos e influencias como la espiritualidad y la multitud de iconos religiosos que pueblan sus obras por la influencia de tener un padre pastor, una influencia que se extiende tanto a la imagen fija como a la imagen en movimiento, dotando a toda su obra de una coherencia inusitada en un creador que trabaja en función de sus clientes.

Inicia su faceta como director de vídeos musicales al aceptar la propuesta de Palais Schaumburg para dirigir Video, al ver este trabajo Propaganda insiste en que dirija un videoclip para su tema Dr. Mabuse, y Corbijn enlazará, uno tras otro, trabajos para David Sylvian, Echo & the Bunnymen o Front 242.

Impresionado por la música de Joy Division, se muda a Londres en 1979, iniciando un viaje que le lleva a trabajar para prestigiosas revistas como New Musical Express, Vogue y Rolling Stones y continúa con la dirección de vídeos musicales para bandas como, precisamente, Joy Division, REM, U2, Public Image Ltd., Nirvana, Metallica o Herbert Gronenmëyer. Algunas bandas, como Depeche Mode con quienes lleva trabajando desde 1986, confiesan que la responsabilidad de la imagen que transmiten tanto en sus videoclips, como en sus carpetas, es enteramente responsabilidad de Corbijn.

Culmina su carrera con la dirección de Control (2007), un biopic sobre la vida de Ian Curtis, el cantante de la mítica banda de Manchester, Joy Division que le reporta varios premios internacionales.

Ponentes: Juba Childs y Luis M. Álvarez

Mañana miércoles 7 de julio comenzamos con cine.

> MIÉRCOLES 7 DE JULIO > CINE
21:30 h. > Terrasa del CCCE L´Escorxador

Conferencia: La música como espejo del alma

Proyección: El amor es el diablo (Love is the devil, 1998, John Maybury)

El amor es el diablo (Love is the devil, 1998, John Maybury) contiene una banda sonora compuesta porRyuichi Sakamoto, el músico japonés licenciado en música electrónica, que fuera miembro del grupoYellow Magic Orchestra, además de autor de composiciones propias y bandas sonoras de éxito comoFeliz Navidad, Mr. Lwrence (Merry Christmas Mr. Lawrence, 1983, Nagisa Oshima) o El último emperador (The last emperor, 1987, Bernardo Bertolucci), por la que fuera merecedor de un Oscar.

Comisario:

Luis M. Álvarez

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Músicas Avanzadas en los Formatos Audiovisuales

Los diferentes formatos audiovisuales han estado siempre más abiertos a los avances de las tecnologías y la asimilación de músicas avanzadas lo que les ha llevado ha mantener una relación más cercana y fluida con bandas y artistas, creativos, publicistas, videocreadores y directores de cine.

Derek Jarman ha sido uno de esos artistas multidisciplinares que tanto pintan como hacen cine, escriben como hacen decorados. Su cine es musicalmente avanzado de lo que su incursión en el videoclip no se hace esperar: The Sex Pistol, The Smiths o Pet Shop Boys son algunas de las formaciones que requirieron sus servicios.

Ponente: Luis M. Álvarez
Hora: 21:00
Lugar: Hostal de sal
Calle del Carmen, 9 – Alicante

Recorridos en femenino detrás de la cámara

Cine Club Golfa presenta un seminario centrado en diferentes mujeres del panorama internacional que se expresan a través de cualquier medio audiovisual.

En la pasada ceremonia de entrega de los Premios de la Academia se alzó con el Oscar a la mejor dirección la californiana Kathryn Bigelow, por su película En tierra hostil (The hurt locker, 2008). Nos resultó entonces sorprendente que fuera la primera mujer en alzarse con el premio. Este hecho, que podría achacarse al tradicional (casi tópico) conservadurismo de la Academia de Hollywood es, sin embargo, sintomático de la poca presencia de mujeres directoras en el palmarés de las grandes citas cinematográficas y en la historia del cine en general. Pero directoras las hay hoy, y las ha habido a lo largo del siglo y pico de cine que llevamos recorrido. Silenciadas, ninguneadas, triunfadoras (las menos) o asimiladas por la industria, casi nunca se ha hecho justicia a su talento cinematográfico.

Cuando nos propusieron programar un ciclo para Hostal de Sal, pensamos que sería una buena idea hacer un recorrido por algunas directoras, para dejar constancia de esas mujeres que se pusieron detrás de las cámaras y dejaron su impronta, de muy distintas maneras, en el séptimo arte.

No hay en este ciclo ningún ánimo de ser sistemáticos. Fieles al espíritu fundacional de nuestro Cine Club, cada uno de nosotros ha elegido una cineasta independientemente de la elección de los demás. Semana a semana iremos presentando nuestras elecciones, y si hubiera que sacar conclusiones o encontrar relaciones, serán los demás quienes las establezcan. Es muy probable que falten nombres. Las cineastas que hemos elegido son sólo una muestra, una pincelada. Recurriendo al tópico, son todas las que están pero no están todas las que son.

El diccionario de la Real Academia Española define el término cinética (aunque la entrada es a “cinético”) como perteneciente o relativo al movimiento. Pertenecientes o relativas al movimiento son, sin duda, las cineastas que hemos elegido para este ciclo, como lo es todo el cine. Estas mujeres que poco más tienen en común que el hecho de serlo, además del afán por contar historias, y por ser ellas quienes las cuentan. Mujeres que, de alguna manera, se pusieron en movimiento y consiguieron hacerse un hueco en el gremio típicamente masculino, y más machista de lo que a priori podría parecer, de los directores de cine.

CINE CLUB GOLFA

• Todas los jueves de julio, agosto y septiembre
• Las sesiones comienzan a las 21:00 horas.
• Proyección en Versión Original Subtitulada.
• Entrada libre hasta completar el aforo.

Programación

1. El triunfo de Leni Riefenstahl

2. El camino de Ida Lupino

Animada a entrar en el mundo del espectáculo siguiendo la tradición familiar, la británica Ida Lupino, trabajó la mayor parte de su carrera como actriz para Warner Bros. Considerada como la Betty Davis de “los hombres pobres”, participa en filmes como The Light That Failled (1939), They Drice by Night (1940), High Sierra (1941), Road House o On Dangerous Ground.

Debido a la muerte inesperada de Elmer Clifton, quien no pudo terminar Not Wanted (1949), a causa de un ataque al corazón, Ida Lupino decide terminar su trabajo convirtiéndose en la primera y única, mujer directora de la época dorada de Hollywood, a esta siguen filmes como Outrage (1050), The Hitch-Hiker (1953) o The Trouble with Angels (1966). Posteriormente también desarrollaría una fructífera carrera como directora para la televisión.

3. Una belga en la corte de la nouvelle vague: Agnès Varda

Pionera del cine feminista y considerada por algunos críticos como la abuela de la Nouvelle Vague, Agnès Varda nace un 30 de mayo de 1928 en Bruselas, aunque vive y trabaja toda su vida en París.

Las más de treinta piezas que ha dirigido en diferentes formatos como el cortometraje, el documental, vídeo-instalaciones o largometrajes de ficción, y a pesar de las diferentes corrientes a las que se la pueda vincular, como la mencionada Nouvelle Vague, la unidad y coherencia de su obra, la libertad de tono en rodaje y montaje y la capacidad de Agnès Varda para captar el momento y los pequeños detalles, fruto, probablemente, de su formación en la fotografía.

León de Oro en el festival de Venecia por Sin techo ni ley (Sans toit ni loi, 1985), Premio César al mejor documental por Les plagues d’Agnès (2008), condecorada con el Premio René Clair de la Academia Francesa, entre otros. Su ópera prima, La Pointe Courte (1956), refleja la influencia de Roberto Rossellini, su segunda película, Cleo de 5 a 7 (Cléo de 5 à 7, 1961), sería incluida en los parámetros de la nueva ola francesa.

Posteriormente flirtearía con el documental, del que destaca Los espigadores y la espigadora (2000), en el que retrata sus propias manos, se presenta a sí misma y agradece el invento (el cine) a su pequeña cámara digital. Cabe mencionar los filmes que la cineasta dedicara a su marido, Jacques Demy, como Jacquot de Nantes (1991), retrato de la infancia de su marido y su amor por el teatro y el cine o, el emocionante Les demoiselles ont eu 25 ans (1993), filmación homenaje que la ciudad de Rochefort hiciera a la película de Demy, Las señoritas de Rochefort (Les demoiselles de Rochefort, 1967), por su 25 aniversario.

4. La rebelión erótica de Liliana Cavani

Guionista, directora de cine y de óperas, Liliana Cavani nace en Carpi (Módena), un 12 de enero de 1933.

Tras licenciarse en Letras Antiguas por la Universidad de Bolonia. Se diploma en cine en el Centro Experimental de CInematográfia de Roma y tras ganar un concurso en la RAI, realiza para la televisión varios documentales pasándose al largometraje de ficción en 1966 con Francesco d’Assisi, que rodaría de nuevo para el cine en 1989, Francesco.

Siendo rodada la mayoría de los títulos en inglés, la mayor parte de su cinematografía está marcada por la  controversia a través de títulos como Los caníbales (I Cannibali, 1969), Portero de noche (Il portiere di note, 1974), La piel (La pelle, 1981) o Berlín interior (Interno berlinese, 1985).

5. Las siete bellezas de Lina Wertmüller

Nacida en Roma en 1928, Lina Wertmüller, tras diplomarse en dirección en la Academia Pietro Sharoff, trabaja en el teatro con Garinei y Giovannini y es ayudante de dirección de Giorgio De Lullo, labor que también realizará para Federico Fellini en Ocho y medio (Otto e mezzo, 1963); mientras tanto se dedica a la actividad radiofónica y a la dirección televisiva (Canzonissima). Debuta como directora con I basilischi (1963).

Caracterizados por un tono grotesco, fuerte y exagerado que la define con un inconfundible estilo, realiza diecisiete largometrajes para el cine entre los cuales cabe destacar Mimí metalúrgico herido en su honor (Mimì metallurgico, 1972), Film de amor y de anarquía (Film d’amore e d’anarchia, 1973), Insólita aventura de verano (Travolti da un’insolito destino nell’azzurro mare d’agosto, 1974), Pasqualino siete bellezas (Pasqualino settebellezze, 1975) o Camorra: Contacto en Nápoles (Un complicato intrigo di donne, vicoli e delitti, 1986).

1. Pilar Miró y la igualdad del género
2. Jane Campion y el universo femenino

Presentación y confección: Cine Club Golfa
Diseño: Rubén Gómez Radioboy
Coordinación: Luis M. Álvarez
Organiza: Overflow para Hostal de Sal

Ken Loach distribuye sus películas a través de YouTube. Algunas películas Disney se pueden descargar legalmente de Internet. Muchas películas se “ruedan” directamente en formato digital. Digital Cinemas Iniciativas pretende cambiar el sistema de proyección de las salas de cine. Mi madre está aprendiendo a manejar el ordenador… ¿¡Qué está pasando!? La evolución natural de la naturaleza, que diría Eduard Punset: Internet y el cine digital están cambiando el panorama audiovisual.

Como espectador, me encanta la acción física de ir al cine. Sólo o en compañía de otros. Una actividad que siempre me ha parecido una experiencia tremendamente emocionante. Comprar la entrada .Escoger la butaca. ¡Esa peculiar atmósfera que se forma antes del inicio de la película! Se apagan las luces y empieza el fascinante viaje a otro mundo, a otra época, a otra vida, a otro punto de vista… Casi es una experiencia religiosa. De hecho, casi conozco mejor los cines de muchas ciudades que sus iglesias y catedrales.

En la otra cara de la moneda están las palomitas, que no consumo como protesta ante el precio tan escandalosamente abusivo que tienen, el espectador maleducado que habla durante la proyección, los proyeccionistas paganos que no se preocupan por un buen foco o ajuste de luz y color, las salas de cine profanas que tienen las pantallas sucias o dejan la puerta de la sala abierta…

Se empeñan en decirnos que el cine pierde espectadores cuando NO ES CIERTO. Es la exhibición tradicional la que los pierde. Las películas se siguen viendo ya sea en DVD, en televisión o Internet. No es nada causal que el formato escogido para la televisión digital sea el panorámico y que las pantallas de los televisores tiendan a ser más grandes, a la vez que el aparato en sí ocupa menos espacio. Hasta casi se ha convertido en normal tener un proyector en casa, con su sonido dolby-digital-prologic-surround y lo que haga falta.

Las televisiones digitales tienen servicio de video-club por el que pagas una cantidad y accedes a una película determinada, que durante 24 horas, puedes ver las veces que quieras: el video-club en casa. Si añadimos a esto las iniciativas de cineastas con visión de futuro como Ken Loach o las medidas apostadas por productoras avispadas como Disney, podemos afirmar que el futuro del cine doméstico está en Internet y no en DVD, Blu-Ray o cualquier otro formato.

Si los cines van a sufrir una adaptación para poder emitir en un formato digital mediante el cual se descargan la película vía satélite —algunos ya lo hacen— ¿porqué no va a poder el usuario hacer lo mismo? Yo creo que cualquiera estaría encantado de vivir la experiencia —-igualmente religiosa—- de esperar en el hogar familiar el estreno de la última película de su director favorito. ¡Claro que sí! ¿No hacemos ya lo mismo con algunos formatos televisivos? Exijamos entonces un cine en casa bajo un sistema similar al que usan las televisiones digitales: el cine en casa ¡ya!

Al fin y al cabo, la tendencia actual engloba bajo la etiqueta “audiovisual” el cine y los diferentes formatos televisivos como el spot, el videoclip, el video-arte, las series o hasta los reality shows —poco debería faltar para que las diferentes ediciones de Pekin Express salgan editadas en DVD. Tampoco sería la primera vez que voy a un cine y me encuentro un cartelito informando que la proyección se realiza en formato DVD, algo a lo que por otro lado estoy muy en contra. No confundamos las peras con los melones. Más que nada porque me parece injusto pagar el mismo precio por un producto, que aunque pueda ofrecerme la misma o mayor calidad visual, no genera los mismos costes que el producto tradicional… pero este sería otro debate.

Recuerdo la primera vez que vi Fahrenheit 451 (1968, François Truffaut). Era yo adolescente y la vi en televisión, como la mayoría del cine que consumía cuando era pequeño y no lo confundí con un telefilme. No. Quedé fascinado. Entre muchas otras cosas, del maravillosos salón de los Montag, presidido por un televisor en formato cinematográfico. Sin duda Ray Bradbury, al igual que otros escritores visionarios, como Philip K. Dick, Arthur C. Clarck o Frank Herbert, fue capaz de prever la evolución de una sociedad consumista que, si bien queda clara la connotación manipuladora por parte del gobierno al utilizar el medio audiovisual con efecto placebo con la intención de mantener al individuo alienado, entretenido y con su capacidad de raciocinio totalmente anulada, no hay duda alguna de que a todos los que nos gusta el cine experimentamos un leve cosquilleo ante la posibilidad de poder disfrutar del espectáculo cinematográfico en tal magnitud en la intimidad del hogar.

Además, lo único que nos falta es la posibilidad de contar con una distribución vía satélite para poder disfrutar del cine que ni siquiera se estrena en los cines de provincias -donde vivimos algunos-, luego todos saldríamos ganado. La industria y el consumidor. El cine comercial y el independiente. El productor y el cineasta. Ellos y nosotros.

Una opinión de Luis M. Álvarez, publicada originalemnte en EXTRACINE