Greenberg, protagonizada por Ben Stiller, Greta Gerwing, Rhys Ifans y Jennifer Jason Leigh, siendo esta última, además, impulsora del proyecto junto a su marido y director de la misma, Noah Baumbach, es, en parte, un alegato generacional sobre la crisis existencial de aquellos que fueran englobados bajo el genérico de la Generación X que rondan a estas alturas sus cuarenta años, que contiene una banda sonora que reflejara tanto lo que se escucha hoy en día, como aquello que sus protagonistas reivindican como la banda sonora de sus vidas.

El hecho de que el compositor elegido para la composición de la banda sonora original, James Murphy, tenga treinta y nueve años en el momento de la gestación del proyecto, y que sea, además, amigo del director de la película, asegura que compartan gustos musicales, lo que no parece interponer ningún obstáculo ni para la composición de temas originales, ni para seleccionar aquellos temas de hoy y de ayer que ilustren esa banda sonora vital de Greenberg.

Productor musical, DJ, músico y co-fundador del sello DFA Records, James Murphy aborda con esta película su primera composición para una banda sonora tras pasar por formaciones como Falling Man, Pony, Speedking o, aquella por la que es más conocido, LCD Soundsystem. La notoriedad adquirida con tan sólo tres álbumes con su banda le lleva a necesitar asegurar en alguna entrevista que la partitura está creada para encajar en la película y no como si fuese uno de sus discos.

La banda sonora de Greenberg contiene eclécticos cortes de formaciones musicales que nos llevan desde la década de los sesenta hasta nuestros días, pasando por un variopinto abanico de estilos que incluyen el blues rock de la banda estadounidense Steve Miller Band; el garage rock de The Sonics que surgiera en los años sesenta, uno de los mayores éxitos de los años setenta de Albert Hammond, el movimiento new wave de los años ochenta que personificara como nadie Duran Duran, el rock alternativo del trío Galaxia 5000 que tuviera una breve carrera a finales de los años ochenta, el pop ligero pop de Nite Jewel, y hasta un tema de LCD Soundsystem.

Las composiciones vocales compuestas e interpretadas por James Murphy para la película, como People, Plenty of Time, Photographs, Birthday Song, If You Need a Friend y Please Don’t Follow Me, asimilan influencias que van desde el folk, hasta el country, incluyendo toques de soul, y tamizados por una fina y elegante base electrónica. Un tipo de canciones cercanas al universo crooner de cantantes como Beck o Jay-Jay Johanson.

Por otro lado, se muestra más atrevido en las composiciones puramente instrumentales, desarrollando suaves e hipnóticas melodías en temas como Sleepy Baby, Thumbs o Dear You que podrían recoger la influencia de bandas y músicos tan variopintos como Air o Philip Glass, y de entre los que mi favorito es un dinámico tema que incorpora unas palmas y una guitarra española, Gente, que no puede esconder la clara influencia de Suv, una banda británica de Drum n Bass.

Una colección de canciones y melodías que no sólo encajan a la perfección con los demás temas, sino que aportan emoción a la imagen, enfatizan el estado de ánimo de los personajes, y se pueden disociar perfectamente para ser escuchados independientemente, dotando a la banda sonora de un notable valor añadido y convirtiéndola en un elemento con peso propio dentro y fuera de la película.

Track listing

1. Jet Airliner (Steve Miller Band)
2. People (James Murphy)
3. Suburbia (Nite Jewel)
4. Sleepy Baby (James Murphy)
5. Thumbs (James Murphy)
6. It Never Rains in Southern California (Albert Hammond)
7. Plenty of Time (James Murphy)
8. Photographs (James Murphy)
9. Gente (James Murphy)
10. Strange (Galaxie 500)
11. Oh You (Christmas Blues) (LCD Soundsystem)
12. Birthday Song (James Murphy)
13. Dear You (James Murphy)
14. Shot Down (The Sonics)
15. The Chauffeur (Duran Duran)
16. If You Need a Friend (James Murphy)
17. Please Don’t Follow Me (James Murphy)
18. Photographs (Piano) (James Murphy)

Pero aparte de los temas incluidos en el CD, editado por Virgin Records US, también aparecen en la banda sonora las siguientes canciones:

- Abstract Yodel #1 (Emily Lacy)
- Disco Inferno (Leroy Green & Tyrone Kersey)
- Windy (The Association)
- There’s A Rugged Road (Greta Gerwing)
- Uncle Albert/Admiral Halsey (Paul McCartney & Linda McCartney)
- Stick Em Up (Evan Thomas Katz)
- Tell Me What You Need (Chuck The Triple Threat)
- Everyone’s At It (Lily Allen)
- It’s A Wonderful Subdivision (Drunks With Guns)
- Melody (Serge Gainsbourg)
- Ring The Bell (Yacht)
- Australia (James Murphy & Pat Mahoney)

A la vista de la calidad de las composiciones para el cine de James Murphy no puedo menos que desear, sin duda, que esta sea, tan sólo, la primera de muchas otras colaboraciones cinematográficas, sin que descuide su aportación a LCD Soundsystem, por supuesto. Para terminar he reservado el tema de Duran Duran, The Chauffeur, por ser la banda reivindicada por el propio Greenberg en una fiesta en la que pretende imponer sus gustos de cuarentón a los de las nuevas generaciones.

Publicado originalmente en EXTRACINE
Por Luis M. Álvarez

The Runaways, la estupenda ternura de una salvaje inocencia adolescente, según publícan en Extsacine y dirigida por Floria Sigismondi —anteriormente  creadora de  videoclips para bandas como Marilyn Manson, David Bowie, Tricky, Barry Adamson, Björk, Amon Tobin, Leonard Cohen, Jon Spencer Blues Explosion, The Cure o Muse, entre otros—, no sólo nos permite reencontrarnos (o conocer por primera vez para los más jóvenes) con una banda de rock mítica como fueran The Runaways, sino hacer un preciso recorrido del glam al punk, como influencias principales en esta banda que surge en el último lustro de la década de los setenta y que incluye temas de David Bowie, Suzie Quatro, Gary Glitter, Iggy Pop, The Stooges, Don MacLean, Sex Pistols, lo mejor de The Runaways y el contundente tema con el que se hiciera famosa Joan Jett con The Blackhearts: I Love Rock And Roll.

The Runaways (la banda) estaba formada por cuatro adolescentes en lo que se reivindicara como la primera banda de rock compuesta enteramente por mujeres. Trabajaron bajo el severo (y despótico) látigo del productor musical Kim Fowley. Actuaron como teloneras de bandas como Tom Petty and The Heartbreakers, The Ramones y Van Halen. Ofrecieron conciertos, además de en los Estados Unidos, en Japón y parte de Europa. Yconsiguieron un notable y tempestuoso éxito que comenzara con uno de sus grandes éxitos, Cherry Bomb, interpretado con todo vigor y energía por Dakota Fanning en la película.

Se puede apreciar con claridad las influencias de cada una de las componentes del grupo a lo largo de la película, siendo la más clara y evidente la que David Bowie ejerce sobre Cherie Currie, quien se maquilla y viste como su ídolo al ritmo de sus propias canciones: Lady Grinning Soul y Rebel Rebel.

Pero si Cherie se dejaba influir por el glam rock, otras componentes del grupo buscan en otras latitudes sus referentes como Lita Ford que admiraba las guitarras de Depp Purple, Ritchie Blackmore y Jeff Beck, o la otra líder de la banda, Joan Jett, quien se identificaba con Keith Richards o Suzie Quatro, de quien además de escucharse una peculiar versión realizada por Kristen Stewart del tema The Wild One, se escucha el tema original interpretado por Suzie Quatro. ¡Aviso! Corres serios riesgos irremediables de querer ir a ver la película si pinchas el tema, por muchas dudas que tengas con respecto a su reparto.

Apparitin ha editado un CD con la banda sonora que incluye tanto temas interpretados por The Runaways como algunos interpretados por las actrices que las representan en la pantalla. Una labor que ha sido alabada por la propia Joan Jett que creyó estar escuchándose a sí misma, cuando estaba escuchando una versión de Kristen Stewart y Dakota Fanning.

El tracklist del CD incluye los siguientes temas:

1. Roxy Roller (Nick Gilder)
2. The Wild One (Suzi Quatro)
3. It’s a Man’s Man’s Man’s World (MC5)
4. Rebel Rebel (David Bowie)
5. Cherry Bomb (Dakota Fanning)
6. Hollywood (The Runaways)
7. California Paradise (Dakota Fanning)
8. You Drive Me Wild (The Runaways)
9. Queens Of Noise (Dakota Fanning & Kristen Stewart)
10. Dead End Justice (Dakota Fanning & Kristen Stewart)
11. I Wanna Be Your Dog (The Stooges)
12. I Wanna Be Where The Boys Are LIVE (The Runaways)
13. Pretty Vacant (Sex Pistols)
14. Don-t Abuse Me (Joan Jett)

Muchas son las ausencias de esta edición con respecto a la banda sonora de la película, pero de todas ellas la más sorprendente es la de la canción compuesta en 1975 por Alan Merrill y Jake Hooker, I Love Rock And Roll, que sólo sería un éxito cuando Joan Jett la grabara con su banda The Blackhearts, convirtiéndola en número uno y convirtiéndose en el single más importante de Joan Jett después de su período con The Runaways.

Publicado originalmente en EXTRACINE

Por Luis M. Álvarez

Entre los premios con los que El escritor (The Ghost Writer, 2010, Roman Polanski) arrasara en los pasados premios de la Academia de Cine Europea, es inevitable destacar el que se llevara Alexandre Desplat por su magnífica banda sonora.

Roman Polanski, es un director que suele mantener largas relaciones profesionales, además de la que mantiene con el guionista Gérard Brach —-que se prolonga a lo largo de nueve filmes——, pero, también con los compositores de sus bandas sonoras, que aparte de las puntuales colaboraciones que le han llevado a trabajar con Jerry Goldsmith en Chinatown (1974), Ennio Morricone en Frenético (Frantic, 1988) o Vangelis en Lunas de hiel (Bitter Moon, 1992) y algún otro compositor, podríamos distinguir tres brillantes etapas:

1. El jazz (que vino del este) a través de su fructífera colaboración con Christopher Komeda que incluye los cuatro títulos que van desde El cuchillo en el agua (Nóz w wodzie, 1962), hasta La semilla del diablo (Rosemary’s Baby, 1968), una de sus últimas partituras y por la que es mayormente recordado.

2. Las suaves melodías (de seducción) con las que Philippe Sarde inunda, tan sólo, tres largometrajes tan diferentes como El quimérico inquilino (Le locataire, 1976), Tess (1979) y Piratas (Pirates, 1986) en un estilo mucho más melódico que rítmico.

3. Y la más reciente colaboración que ha iniciado con el compositor, también de origen polaco, Wojciech Kilar, que incluye La muerte y la doncella (Death and the Maiden, 1994), La novena puerta (The Ninth Gate, 1999) y El pianista (The Pianist, 2002), una relación que muchos han comparado con la que tuviera con Christoph Komeda, dada la profundidad de sus composiciones, que si bien ha tenido que compartir protagonismo con Schubert y Chopen, ha sido capaz de destacarse por la fuerza de su propia cuerda.

El caso es que el notable encuentro entre el cineasta nacido en París, pero criado en Polonia, que se desenvuelve con la misma soltura en el cine americano como en el europeo, en inglés, en francés, en italiano, en polaco (no descarto que incluso llegue a hacer alguna película en español); y el compositor de padre francés y madre griega, educado de manera multilingue, con una formación musical clásica pero con constantes influencias del jazz y la música de películas, que se desenvuelve igual de bien en producciones comerciales como en el cine independiente, tiene todas las papeletas para convertirse en la siguiente colaboración musical del cineasta.

Editada por Varèse Sarabande, lo mejor de la partitura de The Ghost Writer es que funciona igual de bien cuando estás viendo la película, que cuando estás disfrutando sólo de su banda sonora. No es necesario resaltar ninguno de los temas, pues todos son tan estupendos como la propia película de Roman Polanski, de quien algunos afirman que consigue “narrar con colores” y que llevó a otros a afirmar que “anoche soñé que volvía al edificio Dakota“, pudiendo escucharse toda la banda sonora como si de una sinfonía se tratase. Arrebatadora, envolvente, intrigante, misteriosa.

Track list

1. The Ghost Writer
2. Rhinehart Publishing
3. Travel to the Island
4. Lang’s Memoirs
5. Chase on the Ferry
6. Suspicion
7. Investigation
8. Hidden Documents
9. The Old Man
10. In the Woods
11. Prints Listen
12. The Predecessor
13. Pr Paul Emmett
14. Bicycle Ride
15. Lang and the CIA
16. The Truth About Ruth
17. The Ghost Writer (Reprise)

Ganador del Oso de Plata en el festival de Berlín y el César francés por De latir, mi corazón se ha parado (De battre mon coeur s’est arrêté, 2005, Jacques Audiard) —-otra impresionante película y banda sonora—-, del premio europeo por La reina (The Queen, 2006, Stephen Frears), de un Globo de Oro por El velo pintado (The Painted Veil, 2006, John Curran), ¿Conseguirá Alexandre Desplat su cuarta nominación tras La reina, El curioso caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button, 2008, David Fincher) y la maravillosa —-tanto la película como la banda sonora—-Fantastic Mr. Fox (2009, Wes Anderson)?

Publicado originalmente en EXTRACINE

Por Luis M. Álvarez

Banda sonora original

Canciones incluidas en la banda sonora

Por Luis M. Álvarez
Publicado originalmente en EXTRACINE

Muchas cosas se han dicho ya sobre Origen (Inception, 2010), para unos “más que un sueño hecho realidad“, para otros se trataría más de que “Nolan se mete en tu cabeza” y una pesadilla para otros que llegan a afirmar que “anoché soñé que estuve en Manderley“, del último blockbuster de Christopher Nolan, cineasta que pretende se le siga considerando europeo, a pesar de la evidente comercialización y americanización de su cinematografía. De entre las pocas cosas realmente interesantes de su película, quisiera destacar el contundente trabajo de Hans Zimmer en la realización de la banda sonora. Compositor pionero en la integración de música electrónica con arreglos orquestales tradicionales, que tiene gran parte de responsabilidad en el éxito de la película.

Nacido en Alemania, Hans Zimmer fue miembro de The Buggles, cuyo vídeo musical inaugurara las emisiones de la MTV en 1981, The Video Killed the Radio Star. Colabora con varias bandas integradas en el movimiento synthpop y new ave como The Camera Club, Thomas Dolby, Helden o Ultravox.

Comienza a realizar composiciones para cine de la mano de Stanley Meyers, quien le introduce como productor musical de la banda sonora de Mi hermosa lavandería (My Beautiful laundrette, 1985, Stephen Frears). Su característico estilo de melodías rítmicas con temas pegadizos facilita la adaptabilidad de sus acordes al montaje cinematográfico.

Una de sus primeras bandas sonoras en la industria americana es Rain Man (1988, Barry Levinson), película que obtiene varios Oscar de la Academia y facilita su asentamiento en el Nuevo Mundo. Especializado en la composición de músicas mercenarias, siempre al servicio de la imagen, se encarga de bandas sonoras, mayormente comerciales o de acción, entre las que destacan filmes como Paseando a Miss Daisy (Driving Miss Daisy, 1989, Bruce Beresford), Thelma & Louis (1991, Ridley Scott), La casa de los espíritus (The House of the Spirits, 1993, Bille August), La roca (The Rock, 1996, Michael Bay) o Gladiator (2000, Ridley Scott), por la que obtiene un Oscar.

Desarrolla una interesante labor como compositor de cine de animación que comienza con El Rey León (The Lion King, 1994, Roger Allers & Rob Minkoff) por la que obtiene otro Oscar, a la que siguen El príncipe de Egipto (Prince of Egypt, 1998, Brenda chapman, Steve Hickner & Simon Wells), La ruta hacia El Dorado (The Road to El Dorado, 2000, Bibo Bergeron, Will Finn, Don Paul, David Silverman & Jeffrey Katzenberg) o las dos partes de Madagascar (2005 y 2008, Eric Darnell & Tom McGrath), entre otras. Aunque es destacable su colaboración con los directores Ridley Scott y Christopher Nolan, más longeva y duradera es la relación profesional que mantiene con Jerry Bruckheimer.

Particularmente destaco el trabajo que realiza en la cinta de Tony Scott, Amor a quemarropa (True Romance, 1993), en la que toma como fuente de inspiración los temas de Erik Satie que incluyera Terrence Malick en la banda sonora de Malas tierras (Badlandas, 1973), siendo requerido después por el propio Malick para la composición de otro de sus mejores trabajos: La delgada línea roja (The Thin Red Line, 1998).

Su score compuesto para Inception parte de la maravillosa canción interpretada por Édith Piaf —-curiosamente personificada por Marion Cotillard en La vida en rosa (Edith Piaf) (La Môme, 2007, Olivier Dahan)—-, Non, je ne te regrette rien, un tema sobre el que Hans Zimmer articula el tema característico de Inception, aunque con un ritmo e instrumentación que hacen irreconocible la fuente de inspiración.

Al estar compuesta por y para la película, no sólo en esta sino en cualquiera de sus composiciones, las partituras de Hans Zimmer nunca suenan igual de bien cuando se las escucha por separado, además de que, probablemente, los temas se hayan alterado para alcanzar la duración standard del merchandising musical, por ello destaco sólo algunos de los temas compuestos por el alemán:

1. Half Remembered Dream

2. We Built Our Own World

3. Dream Is Collapsing, el tercer corte que es el primero que introduce la ascendente y rítmica melodía característica tan emocionante y efectiva dentro y fuera del largometraje.

4. Radical notion

5. Old Souls, un tema tranquilo e intimista a medio camino entre el Vangelis de Blade Runner (1982, Ridley scott) —-no debe ser casual que en Madagascar se incluyera un fragmento de Carros de fuego (Chariots of Fire, 1981, Hugh Hudson)—- y la sonoridad acuática de aquel Prophecy Theme que compusiera Brian Eno para el score de Dune (1984, David Lynch)

6. 528491

7. Mombassa, un energético tema reiterativo y repetitivo que concluye con una espectacular apoteosis silenciada en el último momento y que es el que mayor influencia electrónica tiene de todo el score.

8. One Simple Idea

9. Dream Within A Dream, el noveno corte, que desde mi punto de vista es el tema principal de la película, y el que más veces suena dentro del metraje —-por lo menos los primeros 112 segundos, el resto del tema hasta completar sus cinco minutos y cuatro segundos es algo prescindible—-, que curioso que tenga el mismo nombre que un tema de la banda alemana Propaganda que hiciera mis delicias allá por los años ochenta.

10. Waiting For A Dream

11. Paradox

12. Time, el tema final que por momentos recupera el ascenso rítmico que caracteriza el tono global de la banda sonora para retornar a un susurro que vuelve a recuperar un ascenso final.

Indudablemente, a la banda sonora editada le falta concluir con el popular tema de Édith Piaf, pero nosotros lo incluimos aquí, para que puedan despertar sin necesidad de patada.

Por Luis M. Álvarez
Públicado originalmente en EXTRACINE

Nacido en Teruel, un 19 de mayo de 1933, Antón García Abril es uno de los más prolíficos compositores españoles que, con una extensa y espléndida obra sinfónica, inicia una sólida carrera en el cine que se extiende después a la pequeña pantalla y sus diferentes formatos audiovisuales.

Iniciado por su propio padre en el mundo de la música de bandas -única posibilidad musical para una ciudad de provincias de la época-, le enseña solfeo, le introduce en una banda y le transmite el entusiasmo por descubrir nuevos sonidos. De esta manera, García Abril inicia sus estudios musicales en Valencia, para continuarlos después en Madrid y finalmente en el extranjero, en Siena y en Roma.

En 1958 forma parte del grupo Nueva Música, una formación que conduce la música española hacia nuevas formas de expresión artística. Inpulsado por Ramón Barce y financiados por Enrique Franco, se trata de un movimiento breve, pues esas ansias por alcanzar a las nuevas generaciones de músicos europeos conducen al grupo a la disolución, debido a los múltiples caminos artísticos representados por sus integrantes entre los que se encuentran Cristóbal Hajffner, Luis de Pablo, Manuel Moreno-Buendía y Alberto Blancafort.

Su carrera cinematográfica despunta con la película Torrepartida (1956), dirigida por Pedro Lazaga, con quien inicia una larga y fructífera colaboración a lo largo de numerosos títulos del más popular cine español de la época, ente los que se encuentran Muchachas de azul (1957), Los traposos (1959), Los económicamente débiles (1960), La ciudad no es para mi (1966) o Sor Citröen (1967), con la que estalla en España el fenómeno dabadaba.

El dabadaba, como finalmente ha dado en llamarse este desenfadado estilo musical, no es más que un sonido con base bossanova que se contagia a otros compositores españoles de la época como Waldo de los Ríos y Augusto Algueró. Resulta difícil establecer quien es el precursor original de un estilo musical que ha trascendido hasta nuestros días a través de formaciones musicales como Fangoria, Penélope y Carlo o Calígula 2000; pero si internacionalmente, Francis Lai es el baladí del fenómeno gracias a la partitura que compone para el filme Un hombre y una mujer (Un homme et une femme, 1966, Claude Lelouch), en España no se puede considerar que fuera otro que el maestro Antón García Abril, que ofrece en ese mismo año una partitura de similares características en Lola, espejo oscuro (1966, Fernando Merino). Un estilo que desarrolla a lo largo de títulos como la citada Sor Citröen, El turismo es un gran invento (1968, Pedro Lazaga) o Las Ibéricas F. C. (1971, Pedro Masó), y que termina por afianzar una moda musical que también se extiende a la pequeña pantalla a través, sobretodo, de la publicidad de Phillips y Fundador. El dabadaba acabaría por establecer una identificación con la época que se denominara del desarrollismo, vinculado a las producciones de José Luis Dibildos, Pedro Masó o Vicente Escrivá y que coincide -o aprovecha- un intento de apertura de la Administración. Un cine que constituye la cara más amable del viejo cine que se realiza con el auspicio del Régimen Franquista a través de directores como Fernando Merino, Fernando Fernán Gómez, José María Forqué, Javier Aguirre, Ramón Fernández, Roberto Bodegas o el mencionado Pedro Lazaga.

Con la llegada de la democracia, Antón García Abril, inicia una nueva etapa, mucho más gasificaste al poder contar con mucha más libertad creativa en un cine de autor para directores como Mario Camus o Pilar Miró. Asimismo, fructifica una espléndida etapa televisiva en series de prestigio para RTVE como Fortunata y Jacinta (1979, Mario Camus), Ramón y Cajal (1982, José María Forqué), Anillos de oro (1983, Pedro Masó) o Brigada Central (1989, Pedro Masó). Una etapa en la que destaca sobremanera la banda sonora de la mítica serie documental El hombre y la tierra (1974-1980, Félix Rodríguez de la Fuente).

Toda esta actividad dentro de la industria audiovisual no impide que Antón García Abril desarrolle una fértil actividad dentro de la música sinfónica a través de cantatas, ballets, óperas y operetas entre las que destacan Doce canciones sobre texto de Rafael Alberti (voz y orquesta, 1969), Divinas palabras (ópera, 1992), Nocturnos de Antequeruela (piano y orquesta, 1996), Concierto de las tierras altas (violonchelo y orquesta, 1999) y el ciclo de canciones inspirados en los poetas españoles.

Defensor de la búsqueda de equilibrio entre técnica e intuición musical como requisitos indispensables para un compositor culto y responsable: El punto de encuentro entre intuición y técnica debe ser, según mi opinión, la aspiración máxima del compositor para lograr el justo equilibrio de la obra técnicamente bien hecha, al mismo tiempo que se proyecte sobre nosotros como lenguaje de comunicación culto y sensible.

Garíca Abril considera que una obra sólo está completa una vez ha pasado por tres fases imprescindibles: compositor, intérprete y público. Para él, el compositor de una obra no es, necesariamente, su mejor ejecutor, siendo siempre más estimulante la aportación de un intérprete, y que sólo cuando es escuchada por el público se completa la ecuación artística, justificando y premiando plenamente la labor del compositor. Para el turolense la mejor manera de ser universal y llegar artísticamente al mundo entero, como hicieran los compositores que más le influyeran como Béla Bartók, Maurice Ravel, Claude Debussy o Sergéi Rachmaninoff, consiste en ser originalmente local, auténticamente español.

Desde 1974 compagina su labor profesional como compositor con la docencia al comenzar a impartir clases como catedrático de Composición y Formas Musicales en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. También es Director de la cátedra Manuel De Falla de Cádiz y profesor de composición de los cursos de verano Música en Compostela.

Elegido miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid en 1982, también lo es de la Academia de Nobles y Bellas Artes de San Luis de Zaragoza, desde mayo de 1995, nombrándole, por unanimidad, Académico de Honor en enero de 2003; además es elegido, en 1997, miembro de la Academia de Bellas Artes Nuestra Señora de las Angustias de Granada, de la Academia Nacional de las Bellas Artes de la República Argentina, en 2000, y de la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla, en 2001.

Por si fuera poco, está en posesión de numerosos premios y galardones entre los que destacan:

• Premio Nacional de Música 1993.
• Medalla de oro de las Bellas Artes, 1998.
• En el 2003 fue nombrado Doctor Honoris Causa por la Universidad Complutense de Madrid.
• Medalla de oro del Real Conservatorio Superior de Música de, 2004.
• Profesor Honorario del Conservatorio Nacional  de Música de LimaDoctor Honoris Causa por la Universidad de las Artes de La Habana (Cuba).
• Presidente de la Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero.

En la actualidad se inclina por la composición de música de cámara, en lo que constituye para él una manera de ir a lo esencial y en la que encuentra, además, intimidad.

El programa se distribuye en las siguientes sesiones:
1. Antón García Abril: músico, poeta e inconformista
2. Fernando Fernán Gómez: cineasta, crítico y feminista
3. José Luis Sáenz de Heredia y el cine a favor del sistema
4. Francisco Merino y el cine contra el sistema
5. José Luis Dibildos y el cine del desarrollismo
6. Pedro Lazaga y el cine popular
7. Ossorio, Klimovsky y el cine de género
8. Mario Camus y el cine de la democracia
9. Pilar Miró y la televisión

Coordinación y presentación: Luis M. Álvarez
Carteles y logotipo: Rubén Gómez Radioboy